壹擊
“藝術的中心..美國建國時間短，沒有太多傳統包袱，美國式的實用主義與流行文化密切相關。開朗進取的民族性格使美國人比英國人更容易接受“流行”藝術和設計。自己
第二次世界大戰
杜尚之前將“現成的藝術”帶到了美國，這導致了抽象表現主義藝術的泛濫和戰後美國“波普”藝術的出現。例如，羅伯特·勞·申伯格用現成物品進行的創作顯示了從抽象表現主義藝術到“波普”藝術的轉變。勞·申伯格盡力將藝術與非藝術結合起來，他倡導“藝術家與環境的合作”。“與環境的合作意味著與自然的合作，而技術就是“當代自然”。他曾經組織了壹個“環境和技術實驗公司”，以“促進工業、技術和藝術之間的必然合作”1985羅伯特·勞·申伯格在中國的“波普”作品。
無題中國
。作品采用拼貼的方式，除了畫面中兩把巨大的黃色篷布傘代表了藝術家引起的聯想外，並沒有什麽特別的含義。1962，包括羅伊·李·希頓·斯坦，克裏斯·奧登伯格，
安迪·瓦霍爾
壹群“波普”藝術家舉辦展覽，標誌著美國“波普”藝術和設計真正成為壹種有影響力的趨勢。1968期間，在紐約舉辦了壹場現代藝術展。許多“流行”藝術家展出了他們自己的燈具、家具和其他“流行”藝術品。在1970中，奧登伯格設計了壹個充氣沙發，具有太空飛行風格的影響。同年
日本大阪
在世博會上，美國“波普”藝術家與設計師、工程師和技術人員合作安排了壹個名為“波普”的項目
百事可樂
廣告展廳營造了震撼的效果。1966 Gunnar Sreen設計的帶有明亮裝飾條紋的“流行”玻璃器皿反映了“流行”藝術在世界上的廣泛傳播。
現代商業插畫的風格當大多數人對插畫的理解還局限於繪本、漫畫、兒童繪本等低端文化產品時，插畫已經以閃電般的速度滲透到人們生活的方方面面，從人們津津樂道的動漫大片到手邊唱片的封面設計，甚至是超市裏隨意擺放的商品標識，插畫及其衍生產品無處不在。人們不用查字典就可以每天體驗“插圖”的含義。我們仍然需要澄清商業插畫的概念:“商業插畫是作者在為企業或產品繪制插畫並獲得相關報酬時放棄作品所有權而僅保留簽名權的商業交易。”
事實上，現代生活中插畫的力量來自於“藝術”和“商業”。商業插畫作為廣告傳播的壹種形式，是現代商業活動的重要組成部分。大多數商業插圖是委托制作的，有明確的創作目的；同時隨著印刷技術的發展被大量復制；商業插畫離不開大眾傳媒，它註定帶有強烈的時代烙印和文化特征。
商業插畫的流行文化
商業插畫的繁榮可以追溯到第二次世界大戰後，當時歐洲國家由於材料的極度缺乏而停止了設計業的發展。此時，美國的商業設計蓬勃發展。從壹開始，它就表現出與歐洲設計不同的出發點——不僅面向富人階層，而是基於普通人和大眾消費。高貴精致不再重要，但多變的風格、誇張的裝飾手法和低廉的價格才是人們所追求的。相應的，出版業也在蓬勃發展。《讀者文摘》、《生活》、《時代周報》等出版物在世界各地都很受歡迎，它們的發行量都超過了100萬份。這些雜誌印刷得越來越精美，大量的廣告灌輸給消費者，刺激了他們的消費欲望，客觀上刺激了商業插圖的需求。此外，圖形語言的天然可讀性使商業插圖的應用越來越廣泛。商業插畫的應用也從書籍插頁擴展到各種時尚雜誌、戶外廣告、包裝設計、影視廣告等。流行文化是當今商業插畫的主要領域。
20世紀五六十年代，青少年成為流行文化的主要消費者，20世紀70年代，他們成為推動西方社會變革的主要力量。這壹代年輕人成長在富裕的時代，接受了良好的教育。他們對新事物的熱情和對傳統價值觀的冷漠與他們的父母完全不同。他們更熱衷於搖滾樂、流行藝術和嬉皮士文化。在這壹時期，商業插畫也受到了各種流行文化的影響，形成了鮮明的風格趨勢。許多當時標新立異、與眾不同的東西很快被模仿，形成了新的消費方式、形式和時尚。美國波普藝術家約翰創作的“靶心”和“國旗”形象經常在不同的商業插圖中反復出現，並已成為代表波普風格的視覺符號。在嬉皮士文化運動中，具有“新藝術”風格的威爾遜字體海報作品因字體過度變形而難以識別，但由於它反映了嬉皮士文化的反文化性，在形式上給人壹種怪誕和狂野的感覺，符合嬉皮士青年的情感要求，因此也被用作壹種強烈的象征性標誌。正是通過吸收和使用不同的流行文化符號，商業插畫成為年輕人表達個人觀點的手段和區分不同意識形態的有力武器。流行文化的另壹股力量來自日本卡通插畫，它在20世紀80年代後逐漸成熟，並在亞洲青少年中流行起來。由動畫插畫帶動的電子遊戲、動畫和玩具行業的興起，形成了壹種影響我們生活的文化潮流。
商業插圖的藝術形式
現代商業插圖的形式主要通過媒介進行分類。壹般可分為三類:壹是平面媒體，二是影視媒體，三是網絡媒體。印刷媒體形式的插圖主要分為期刊、報紙、海報、產品包裝和企業形象宣傳材料。這類商業插畫發行量大、傳播面廣、制作周期短，可以涉及人們生活的方方面面，也是最常見的用戶。影視傳播媒介形式的插畫主要分布在電視和電影中。它們與影視廣告的區別在於畫面的相對穩定和靜止。這種形式的插圖傳播迅速，包含大量信息，相對較強。作為影視插畫，也是廠家、企業加強商品宣傳推廣的有力媒介。網絡傳播形式的插畫是隨著計算機網絡的發展而發展起來的壹種新的插畫形式，其主要載體是計算機網絡，其特點是形式獨特、互動性強、空間表現性大。插畫作為壹種新興的插畫形式也有其局限性，即受眾水平參差不齊，但隨著時代的發展，這種局限性將逐漸消失。通過分析這三種形式，我們可以看到，商業插畫作為視覺傳達的壹部分，必須有其空間，這是社會、商業和文化賦予的。它從壹開始就不再是壹種簡單的局部傳播特定信息的藝術形式，而是發展成為在時間、空間和受眾上傳播信息、傳播影響、服務社會的視覺傳播元素。
商業插畫的表現手法應註重插畫的通俗性和實用性，因此大多數商業插畫采用的表現手法是表現客觀事物，主要分為寫實、抽象和混合三種形式。
商業插圖經濟產業
對於經濟問題，我們首先要了解插畫產品是如何流通的。事實上，與任何現代產品壹樣，它在進入市場的過程中需要經歷三個步驟:生產-銷售-消費。
插畫師1
作為數字時代的設計師，我們必須掌握幾種基本的繪圖工具並熟練使用它們，例如Photoshop、Illustrator、flash等。，因為大多數插圖都是通過電子文檔的格式交付的。
同時，插畫師的工作風格也更加自由和多樣化。設計師本身可以選擇在設計公司工作，成立自己的工作室，或者從事兼職工作。由於軟件、硬件和通信手段的高度發達，越來越多的插畫師傾向於以個人方式介入市場。壹些明星插畫師大多是自由職業者。良好的聲譽和優秀的人才使他們更容易獲得業務。
在互聯網時代，制作個人在線作品集網站是獲取客戶資源的好方法。它的優點是客戶可以隨時看到您的網站並了解您的工作風格，這為設計師提供了許多潛在客戶。
2.分銷商（銷售渠道）
在藝術作品的傳統銷售渠道中。畫商壹直扮演著重要的角色，以挑剔的眼光尋找畫家的作品，並尋找買家從中獲取利潤。
雖然插畫師與客戶有直接的業務聯系，但他們畢竟要花很多時間才能找到客戶。因此，許多人選擇專業機構代理他們的作品並聯系相關的商家和展覽。這些公司實際上扮演著藝術品經銷商的角色。
3.消費插圖的人
在消費插圖的人群中，熱情的消費者和偶然的消費者之間會有區別。
同壹個插畫產品受到不同人不同程度的喜愛。比如文革時期的壹本老漫畫。老年人會對它表現出強烈的喜愛，而年輕人則沒有興趣，主要是因為年輕人對這本舊漫畫沒有相關的文化經驗。這種文化體驗使人們對插畫作品的象征意義感興趣，從而導致熱情消費者的出現。而且，消費者越喜歡這類產品，就越關註它們，積累的相關經驗和知識也就越多。與那些休閑消費者相比，他們對作品有不同的觀點。
商業插畫不同於壹般商品，它是壹種文化產業。它的運作不同於其他行業的自身規則。美國經濟學家凱維斯在《創意產業經濟學》中提出了文化產品的縱向和橫向差異。他指出，“文化產品的特點、基調和風格也不同，這些都與買方對產品質量的評價無關。”在經濟方面，它們存在橫向差異。當有橫向差異的產品以相同的價格出售時，人們的偏好是不同的。創意產品通常是縱向和橫向差異的混合體。“正是文化產品的這壹特點構成了它的多樣性，消費者也從中受益。
商業插畫設計往往表現出不同文化產業之間合作的特點，流行的漫畫作品不僅作為印刷出版物大量發行。它也很有可能被改編成動畫片，甚至電影和電視劇。這種現象已經演變成壹種趨勢。插畫設計引發或催生的其他相關產業可以稱為“附加值”，這種文化產品的附加值運營也應視為插畫長期利潤的壹部分。在這方面，迪士尼的經驗值得學習，米老鼠的形象已經從漫畫中搬到了銀幕上。並成為雜誌、服裝、網站等文化產品的形象代表，成為當今數十億美元娛樂帝國的形象代表。然而，對於商業插畫行業來說，如何簽訂合同來準確定義插畫及其在其他行業的附加值利潤分成是壹個新問題。
盡管有些人仍然不屑於藝術和商業的結合，但不可否認的是，它們的結合已經取得了豐碩的成果，而且這種趨勢是不可逆轉的。就像商業插畫明亮而短暫的外表壹樣，這個時代的態度令人興奮和深思。
波普藝術到底是什麽？妳能簡單說壹下嗎？波普藝術。
20世紀50年代中期以後的十年裏，波普藝術在美國和英國發展了壹個新的藝術流派，被稱為“波普藝術”。這些被稱為“流行藝術家”的人在這壹時期的創作中有壹個共同的特點。他們以流行的商業文化圖像和城市生活中的日常事物為主題，其創作手法往往反映出工業化和商業化的特征。引發波普藝術的因素並非無處不在，英美戰後的城市文化是其生長的特殊土壤。只有與這種城市文化密切接觸的藝術家才能把握波普藝術的獨特風格和表達方式。
人們認為狹義的波普藝術起源於英國，而不是美國。1952年末，壹群年輕的畫家、雕塑家、建築師和評論家在倫敦當代藝術學院舉行了壹次會議。這個自稱“獨立”的團體專註於流行文化及其意義，如西方電影、太空小說、廣告牌、機器之美等。這些現象在當時都被認為是反審美的。這個群體癡迷於新的都市流行文化，尤其被美式表達所吸引。壹方面，在英國人眼中，當時的美國是壹個理想的國家，從尼龍產品到新型摩托車應有盡有。另壹方面，20世紀40年代的英國藝術界籠罩在嚴肅的浪漫主義鬥爭氣氛中，英國波普藝術是對這種氣氛的反應。
1956年，“獨立派”舉辦了壹場名為“這就是明天”的展覽。展覽中最具感染力和影響力的作品是理查德·漢密爾頓在入口處放置的壹張海報，題為‖是什麽讓今天的家庭如此迷人？‖（圖1）。圖片是從畫報上剪下來的壹個現代公寓，裏面有壹個肌肉男和壹個傲慢的裸女。公寓裏有很多文化產品:電視、錄音機、放大的漫畫書封面、福特徽章和吸塵器廣告。透過畫中的窗戶，妳可以看到壹個電影屏幕，顯示了電影《爵士歌手》中艾爾·喬爾森的特寫鏡頭。這個男人手裏還拿著壹根巨大的棒棒糖，糖上有三個大大的字母。POPArt壹詞由此而來。Pop不僅是棒棒糖的後綴，也是“流行和時尚”的縮寫。
在美國，波普藝術是對20世紀50年代盛行的抽象表現主義的回應。壹方面，抽象表現主義的作品被視為藝術家獨特個性的展示，這種個性完全是個人的、主觀的和精神的。它強調藝術的純粹性，成為壹種精神高尚的藝術。另壹方面，由於這種靈性在於即興創作，並且完全是個人的，許多後來者紛紛模仿它，因此似乎這種“優雅”的藝術可以由每個人來完成。遺憾的是，這些作品大多只有炫目的畫面，卻很難展現精神。可以說眼睛很多，但是真的很少。波普藝術大膽嘗試新材料、新主題和新形式來解決抽象表現主義的問題。20世紀60年代，波普藝術將“生活”和現代都市生活帶入博物館和畫廊。第壹個讓“波普”這個稱號在世界上流行起來的集體展覽是1962年在悉尼Dzhanis畫廊舉辦的“新現實主義藝術家”展覽，該展覽匯集了這壹潮流的藝術家（包括歐洲藝術家）。其次是在1963舉辦的兩個展覽:“六位藝術家作品展”和“大眾影像展”。
在某種程度上，美國確實影響了世界上所有的波普藝術。由於美國商業文化的強大影響力，好萊塢電影和麥當勞漢堡幾乎可以在世界上任何壹個國家看到，這已經滲透到許多文化中，成為壹種可以消費的流行文化。另壹方面，波普藝術是壹種“工業”藝術。RoyLichtenstein曾說:“隨著美國越來越多地受到工業化和資本主義的沖擊，其價值觀似乎更加扭曲。我覺得我創作的意義在於說明它是工業化的，這也是整個世界的方向。歐洲很快也會如此，所以波普藝術不會是美國的，而是全球的。”
波普藝術抵制了壹位著名評論家的座右銘:偉大的藝術必須是困難的藝術。波普藝術家經常使用拼貼或批量復制，這似乎更容易。“波普藝術是現代電影中的速溶咖啡和寬銀幕。它不是僧侶統治下的拉丁語，而是流行藝術。”流行藝術的吸引力與其範圍壹樣廣泛。它接受生活中的壹切和所有更普通的方面。它仍然是藝術，但絕不是為藝術而藝術。
說到英美波普藝術，首先要提到的是美國人勞申伯格和賈斯珀約翰斯，以及英國人理查德·漢密爾頓。勞申伯格於1925年出生於得克薩斯州，在20世紀40年代末求學。他早期受到抽象表現主義的影響，在20世紀50年代初畫了壹系列全白色的畫，畫中唯壹的圖像是觀看者的影子。後來，他畫了壹系列全黑的畫，但這些畫不是他的第壹幅。後來，他朝著“組合繪畫”的方向發展，利用生活中的普通物品形成畫面——啤酒瓶、廢紙箱、舊輪胎、報紙、照片、繩子、麻袋、枕頭等等。畫布和固定在畫布上的物體構成了壹幅作品，《床》（圖2）是這類作品的典型代表。作者只是將睡袋和枕頭掛在畫布上，然後在上面塗上壹些顏料。以這種方式在作品中使用現成產品的目的是打破藝術與生活之間的界限。正如他所說:“繪畫既是藝術，也是生活，兩者都不是做出來的。我想做的事情就在這兩者之間。”同時，他的作品具有抽象表現主義的痕跡，並往往具有偉大的氣魄。
勞申伯格的藝術哲學受到約翰·凱奇的影響。約翰·凱奇是他在黑山學院工作時認識的壹位實驗藝術家。他在1951年遇到了凱奇，他們非常親密。凱奇從禪宗的角度影響了勞申伯格:“判斷是沒有意義的，因為沒有事實證明這個東西比其他東西好，藝術不應該和生活有所不同，而是生活中的壹種行為。”
在勞申伯格的創作生涯中，他壹直與周圍的城市和技術協會保持聯系。他的“綜合”手段可以反映關於壹個時代的豐富圖像。例如，在符號““（圖3）中，我們可以看到所有具有美國20世紀60年代特征的信息，包括明星總統肯尼迪、黑人領袖馬丁·路德·金、越戰士兵、登上月球的宇航員。
約翰的職業生涯與勞申伯格的職業生涯有許多相似之處。在他們發展的關鍵時刻，他們曾經共用壹個工作室。約翰以其獨特而平凡的形象而聞名。壹排數字（圖4-1）、目標（圖4-2）、美國國旗（圖5）、美國地圖等已經成為波普藝術的經典。他選擇這些圖像是因為他認為它們不會產生任何能量。他想強調的是“繪畫是它本身，而不是任何其他物體的再現”。
約翰無意通過作品表達他對藝術或社會的批評。在他看來，藝術家想做什麽是他的絕對自由，不應該因為考慮評價而受到限制。他認為在大多數情況下，作品會被誤解和誤用，藝術家無法控制這種情況和他的作品被評價的方式。他壹點也不介意這種有趣的情況。他的著名雕塑之壹是用鐵復制兩個啤酒罐（圖6），這通常被理解為對某種社會現狀的批評。但實際上這種創造純屬偶然。“我在用小物件制作雕塑——手電筒和燈泡。後來發生了壹個故事。不知怎麽的，威廉·德庫寧被我的經紀人惹惱了。他說，‘那個狗娘養的，如果妳給他兩個啤酒罐，他就可以賣了。’我聽到這句話，心想:‘多好的雕塑啊——兩個啤酒罐。’這似乎完全符合我的口味，所以我照做了——然後我的經紀人把它們賣了。"
在英國波普藝術運動中，理查德·漢彌爾頓是與美國的勞申伯格和約翰斯齊名的藝術家。這三個人在對達達主義的濃厚興趣上更為相似。漢密爾頓的個人成長過程對他的藝術成就產生了重要影響。與大多數其他藝術家相比，他實際上是壹個自學成才的人。14歲小學畢業後，他開始從事廣告工作，同時在許多藝術學校上夜校。他的教師經歷成為他繪畫生涯的另壹個強大影響。他長期教授設計課程，這使他特別註重解決問題的能力，也使他經常成為壹個實用主義者。在1957中，他說他追求的品質是流行、短暫、負擔得起、有趣、性感、噱頭和迷人，而且必須便宜和大量生產。
盡管漢密爾頓廣泛使用美國主題，但他不是美國風格的藝術家。他總是願意解釋他的作品，有時非常詳細。例如，作品《她》收集了許多廣告圖片:“楊嬌”牌冰箱的照片、吸塵器和其他電器的廣告，以及釘在墻上的《紳士》雜誌的照片。漢密爾頓給這幅作品附上了壹段很長的解釋:“20世紀50年代藝術中的女性格格不入——她讓我們想起下水道裏的氣味、病態的肥胖、粉紅色分叉的腿、愚蠢和淫蕩，與藝術作品之外的冷酷女性形象毫無相似之處。那種女人真的好色，表現出性欲的時候特別聰明。盡管有最昂貴的珠寶，人們仍將她視為時尚的配飾。從廣告的角度來看，女人最糟糕的事情是她無法優雅地與環境達成和諧——女人與環境的和諧可以決定我們對她的評價，就像她與她的衣服是否和諧壹樣。性無處不在，它的象征可以在批量生產的迷人奢侈品中找到——多肉的塑料和光滑且更具肉感的金屬。”
後來的“我夢想壹個白色的聖誕節”對壹個聚焦平面進行了壹系列精心的變換。特別是，漢密爾頓將彩色正片換成了彩色負片，並將片中的白人歌手換成了黑人歌手，這諷刺地暗示了歌手歌曲的標題。然而，這種諷刺並不排除懷舊。漢密爾頓的作品和其他英國流行藝術家的作品壹樣，都帶有壹絲悲傷，這使得他的作品比美國流行藝術家的作品更具魅力。