人文主義是指人類社會中的各種文化現象。
人文攝影顧名思義，以人或人的活動為拍攝對象。
目前，這壹術語通常用於藝術攝影活動。人文攝影顯然是指能夠反映人類文化先進、優秀、健康內容的作品。這些作品能夠觸動讀者的心靈，讓讀者在愛、關懷和崇敬中與作者產生共鳴。
靜物攝影
靜物攝影與人物攝影和風景攝影相反，拍攝無生命的物體（這種無生命的概念是相對的，例如從海裏捕獲的魚蝦、采摘的瓜果等。）和可以自由移動或組合的人造物體作為表演物體。多以工業或手工制品、自然無生命物體等為拍攝題材。
在真實反映主體內在特征的基礎上，通過創意構思，結合構圖、光線、色調、色彩等攝影手段，將主體表現為具有藝術美的攝影作品。這被稱為靜物攝影。
靜物攝影在選材上有著廣闊的天地。在選擇好材料後，我們可以隨意處理這些對象，因為對象是無生命的，可以隨意移動許多角度來實現創作意圖。靜物攝影有兩個優點:第壹，它是壹個進壹步理解藝術視覺的深化過程。
當壹些普通的物體被拍攝成引人入勝的照片時，實際上是深入研究和觀察這些物體的過程。其次，拍攝靜物可以獲得更多實用的攝影知識。對於攝影師來說，靜物攝影的難點在於其獨特的畫面構圖。
在安排拍攝對象時，我們必須選擇拍攝角度並創造性地使用光線，然後將從靜物攝影中學到的實用攝影知識和基本原理應用到日常攝影中。
人像攝影
人像攝影不同於普通的人像攝影:人像攝影以對拍攝對象特定外貌和神態的描述和表現為首要創作任務。盡管壹些人像攝影作品也包含壹定的情節，但它仍然側重於表現主體的外貌，相當多的人像攝影作品只解釋主體的形象而沒有具體的情節。
而人物攝影關註的是主體參與的事件和活動，其主要任務是表現具體情節，而不是用生動的形象表現主體的外貌和舉止。兩者的重要區別在於是否詳細描述了人物的外貌。
無論是單個人還是壹群人，無論是在場景中捕捉還是在照相館中擺拍，無論是否是情節，只要是主要表現拍攝對象特定外貌和精神狀態的照片，都屬於人像攝影的範疇。
那些主要表現人物的活動和情節，反映某壹生活主題，而被攝對象的外貌並不十分突出的攝影作品，無論是特寫還是全身照，都只能屬於人物攝影的範疇。
當然，從廣義上講，人像攝影是關於人的，也屬於人物攝影。人像攝影以對拍攝對象的外貌和神態的描寫和描述為自己的表現任務，人物要有鮮明的神態。它可以分為三類:攝影室內人像、室內特定環境人像和室外人像。人像攝影要求形神兼備。
紀實攝影
紀實攝影是指以記錄為第壹目的，反映客觀事物真實形象的照片攝影。
攝影是為了記錄而誕生的。它誕生後的強大生命力恰恰在於它的記錄功能。這是其他技術或藝術無法比擬或無法替代的。
因此，從廣義上講，攝影就是記錄。記錄攝影的結果是圖像記錄作品。與之相對應的是，錄像作品包括視頻新聞作品和視頻紀錄片作品。
記錄攝影的目的（也許不是唯壹的，但卻是首要的目的）在於記錄；前提是尊重客觀真實；客體是客觀事物的表征；記錄方法是通過攝影再現圖像。根據記錄影像的方式不同和追求的價值不同，記錄攝影可分為新聞攝影和紀實攝影。
藝術攝影
隨著時代的發展，人們不斷在攝影中加入藝術元素，開始產生藝術攝影。它與紀實攝影的區別在於藝術性的高低，但沒有絕對的界限。
例如，讓我們拍壹張照片作為身份證或留下壹個紀念品。壹般照相館拍的照片最多有壹些信息或記錄價值。然而，50年後的今天，鄭靖康先生為齊白石先生拍攝的肖像仍然是世界上20幅最好的肖像之壹。區別完全在於藝術層面。
藝術攝影的效果更漂亮，因為它不僅需要技術，還需要拍攝的時間，地點和角度。
圖片攝影
寫真攝影以其優美的畫面語言和優美的設計內涵壹直是人像攝影的重要表現形式。
19世紀下半葉，英國攝影師蘭達拍攝了兩條人生道路的照片，曾被預言為“攝影的新時代即將到來”。在當時攝影還被輕視的時候，這幅作品因其鼓舞人心的主題和油畫構圖而受到維多利亞女王的高度贊揚。可以說蘭大對攝影的發展貢獻良多。
此後，寫真攝影逐漸成為攝影的壹個重要流派。
商業攝影
商業攝影，顧名思義，是指為商業目的而進行的攝影活動。從狹義上說，它是商業攝影，從廣義上說，它是壹種用於發布商品或撰寫故事的攝影類型。這種類型是當前攝影活動中極其重要的壹種。
這種攝影是為了商業利益而存在的，根據企業的要求進行拍攝相對受到限制。
水墨攝影
與傳統水墨畫壹樣，現在市面上出現的水墨攝影作品按題材可分為山水、花鳥、意境三類，與中國畫中的山水畫、花鳥畫相對應；按技法和意境可分為抽象和具象，與中國畫中的寫意和工筆畫相對應。
雖然不可避免地要使用Photoshop等軟件對水墨攝影照片進行後期處理，但這並不意味著可以隨意扭曲原始照片。好的水墨攝影作品應該盡可能少地修改原始照片，它更考驗攝影師的構圖和捕捉光影的能力。
全息術
全息攝影是指壹種新的攝影技術，它記錄了被拍攝物體反射波的振幅和相位的所有信息。普通攝影記錄的是物體表面的光強分布，但無法記錄物體反射光的相位信息，因此失去了立體感。
全息術以激光為照明光源，將光源發出的光分成兩束，壹束直接射向感光板，另壹束經被攝體反射後射向感光板。當人眼直接看這張感光底片時，只能看到像指紋壹樣的幹涉條紋，但如果用激光照射，人眼就可以透過底片看到原始被攝物體的三維圖像。
即使全息圖像只保留壹小部分，它仍然可以再現整個場景。全息術在工業上可應用於無損檢測、超聲全息術、全息顯微鏡、全息存儲器、全息影視等諸多方面。
攝影類型:
1.繪畫攝影
繪畫攝影是20世紀初流行於攝影領域的藝術流派，起源於19世紀中葉的英國。
這個流派的攝影師在創作中追求繪畫的效果或“詩情畫意”的境界。它經歷了三個階段:模仿階段；崇尚優雅的舞臺；藝術舞臺。
畫家提出“攝影界的拉斐爾和攝影界的提香應該產生。”
繪畫攝影經歷了漫長的發展時期。第壹位繪畫攝影師是英國畫家希洛（1802-1870）。他擅長人像攝影，作品結構嚴謹，造型典雅。1851年至
1853是繪畫攝影的成長期。
1869年，英國攝影師HP Robinson（1830-1901）出版了壹本關於攝影的如畫效果的書。他提出:“壹個攝影師必須有豐富的情感和深入的藝術理解才能成為壹個優秀的攝影師。
毫無疑問，攝影的不斷改進和不斷發明激發了更高的目標，因為攝影本身，無論多麽精致和完整，都只是通向更高目標的壹種方式。“這為學校奠定了理論基礎。
1857年，OG re lander（1813-1875）創作了壹幅由30多張底片組成的文藝復興風格的作品:《兩種生活方式》，標誌著繪畫攝影藝術的成熟。
這壹時期的作品大多充滿宗教色彩，包含壹定的隱喻。拍攝時，事先制作草圖，然後使用模型和道具組織和安排場景，並通過暗房進行處理。追求照片畫面的繪畫效果。
隨後，繪畫攝影的內容有所擴展，但風格仍崇尚古典主義，造型和構圖仍有學院派的規則，因此它是含蓄、冷靜和優雅的。
當流派發展到繪畫階段時，仍然以追求情感之美、意境之美和形式之美為特征。
因為畫家強調藝術修養:“要使攝影在藝術中有地位，攝影師首先要培養審美能力，培養藝術修養。”因此，它的歷史成就是將攝影從最初的機械模仿對象引導到造型藝術領域，促進了攝影藝術的發展。
由於繪畫的創作大多脫離現實生活，加之攝影器材日益完善，人們的審美情趣不斷發展，受到“自然主義”的沖擊。盡管如此，它仍然在今天的攝影藝術殿堂中占有壹席之地。
該流派的主要攝影師和作品有:Pledge（？-1896）男爵的宴會，魯濱遜漂流記，寶塔場景；羅賓漢的《當壹天結束時》，秋天，兩個小女孩，奄奄壹息，朱麗葉帶著毒瓶，黎明和日落；
雷蘭德·施洗者，聖約朝霞、伊菲、弗吉尼亞、尤迪特和霍洛芬尼斯的首領；卡梅隆夫人（1815-1897）的托馬斯·卡萊爾和奈達（1820-1910）在臨終前。
2.印象派攝影
從65438年到0899年，法國印象派繪畫的首次展覽在英國舉行。在畫家魯濱遜的影響下，他提出了“柔調攝影比銳調攝影更美”的審美標準，提倡“柔調”攝影。這壹流派是繪畫印象主義在攝影領域的反映。
起初，他們用軟焦距鏡頭拍攝，用編織紙沖洗和印刷，以追求壹種模糊的藝術表達效果。隨著“溴化銀顯影法”和在顏料中摻入重鉻酸鹽膠的紙張顯影方法的出現，印象派作品從控制鏡頭成像發展到暗室處理。
他們提出“作品看起來應該完全不像照片”，“如果沒有繪畫，就不會有真正的攝影。”
在這壹理論的指導下，印象派攝影師還使用畫筆、鉛筆和橡皮對圖片進行處理，有意改變其原有的明暗變化，追求“畫”的效果。例如，拉克羅亞在1900年創作的《掃公園的人》就像是在畫布上繪制的炭筆。
印象派攝影師完全失去了自己攝影藝術的特點，因此有人稱之為“模仿派”。可以說它是繪畫攝影的壹個分支。
這壹流派的藝術特點是色調陰郁、陰影線條粗獷、裝飾豐富，但缺乏空間感。它的著名攝影師是杜馬斯（？-1937）、普約（1857-1933）、邱恩（1866-1944）、瓦特塞克（1848-1903）。
霍夫邁斯特兄弟（1868-1943；1871-1937）、塗爾幹（1848-1965438）、埃夫爾（1874-1948）、米尊。
3.寫實攝影
寫實攝影是壹個歷史悠久的攝影流派，延續至今，仍然是攝影的基本和主要流派。它是現實主義創作方法在攝影藝術領域的反映。
這壹流派的攝影師在創作中堅持攝影的紀實特征。在他們看來，攝影應該有“與自然本身平等”的忠誠。只有當畫面中的每壹個細節都具有“數學準確性”時，作品才能發揮出其他藝術媒體所不具備的感染力和說服力。
A.斯蒂格利茨曾說:“只有通過討論忠誠才是我們的使命。”
另壹方面，他們像物體鏡子壹樣冷漠而純粹客觀地反映物體，並主張創作應該是有選擇的，藝術家應該對反映的東西有自己的審美判斷。著名現實主義攝影師劉易斯·海因曾說過這樣壹句名言:“我要揭露那些應該被糾正的東西；同時，我們應該反思那些應該被贊揚的事情。"
可以看出，他們主張藝術應該“反映生活”的觀點。他們敢於正視現實，創作題材大多取自社會生活。藝術風格樸實無華，卻有很強的見證力和感召力。
寫實攝影最早的愛好是英國攝影師菲利普·德拉莫特在1853拍攝的火棉膠紀錄片。後來，它是羅斯·芬頓的戰地攝影作品和20世紀60年代末威廉·傑克遜的黃石奇觀。
1870之後，寫實攝影逐漸成熟，開始將鏡頭轉向社會和生活。例如，當時的攝影師巴納德博士拍攝了街頭兒童的悲慘處境，令人震驚。
隨後，現實主義攝影師大量湧現，他們的作品在攝影史上以強烈的真實感和深刻性而聞名。比如英國勃蘭特的《采煤者》；美國人R. Kappa的《通敵的法國婦女被剃頭遊街》；法國維斯的《少女》等等，不勝枚舉。
4.自然攝影
在1899中，攝影師彼得·亨利·埃默森針對繪畫創作的弱點發表了壹篇題為“自然主義攝影”的論文，抨擊繪畫攝影是碎片化的攝影，並倡導攝影師回歸自然尋找創作靈感。
他認為自然是藝術的起點和終點，只有最接近自然和與自然相似的藝術才是最高的藝術。他說沒有任何藝術比攝影更準確、細致和忠實地反映自然。“從情感和心理上來說，攝影愛好的效果在於感光材料記錄的未經修飾的鏡頭場景。”
該學派的另壹位大師A . L .帕喬說得更清楚:“藝術應該留給藝術家。就我們的攝影而言，沒有什麽可以依靠藝術的，我們應該進行獨立創作。”
可見，這種藝術觀念是對繪畫的壹種反作用，促使人們將攝影從學院派的束縛中解放出來，促進攝影自身特點的充分發揮。
這所學校的創作主題大多是自然風光和社會生活。
由於自然主義攝影滿足於描述現實的表面真實和細節的“絕對”真實，因此忽視了對現實本質的挖掘和對表面物體的提煉。總之，它不註重藝術創作和藝術形象的典型性。所以本質上是現實主義的庸俗化。有時它會導致現實的扭曲。
這個流派的著名攝影師有德維森（1856-1930）、威爾金森（1857-1921）、格爾（？-1906）、劃痕（1856-？）、Sutcliffe（1859-1940）等。
5.純攝影
純攝影是攝影藝術的壹個流派，成熟於二十世紀初。它的創始人是美國攝影師斯蒂·格裏澤（1864-1946）。
他們主張攝影應充分發揮自身的特點和表現，擺脫繪畫的影響，以純粹的攝影技術追求攝影的獨特審美效果——高清晰度、豐富的色調層次、微妙的光影變化、純粹的黑白色調、細致的紋理表達和準確的圖像描繪。
總之，這壹派攝影師刻意追求所謂的“攝影質量”:準確、直接、微妙、自然地表達主體的光線、色彩、線條、形狀、紋理和質量，而不使用任何其他造型藝術媒介。
1913班展出的《俯瞰紐約》是純學校的傑作。
攝影師從高處俯瞰紐約的壹個廣場。雖然沒有加工和裝飾，但新穎的構圖和獨特的造型令人耳目壹新。又如E .的弗蘭克·K .桑德伯格，他采用多次曝光的方法，避免了單個作品的空間和時間限制，並在壹幅畫中描述了詩人的情感轉變、色調的組合和構圖的變化，非常有節奏。
從某種角度來看，純粹主義者的壹些思想和創作是形式主義和自然主義的“混合體”，後來演變為“新客觀主義”。但這壹流派在壹定程度上促進了人們對攝影特點和表現技巧的探索和研究。
這壹流派的著名攝影師是斯特蘭德（1890-1976）和F64團體攝影組織中的攝影師，如亞當斯和坎寧安。
純派後期的作品發展到線條、圖案和扭曲圖像的抽象化，其有影響的攝影師有雅博、施泰納、史蒂文和埃文斯。
6.新客觀主義攝影
新客觀主義攝影也被稱為“主導攝影”和“新現實主義攝影”。它是20世紀20年代出現的壹個攝影藝術流派。
這個流派的藝術特色是在平常事物中尋求“美”。通過特寫和近景的手段，將主體從整體中“分離”出來，突出顯示主體的某壹細節，並準確、如實地刻畫其表面結構，從而達到令人眼花繚亂的視覺效果。
它不認為藝術的本質在於對象的本質，因此其美學思想屬於自然主義。例如，攝影師帕喬在1923年用特寫的手法拍攝了火車頭的旋轉軸，展現了火車頭運行時旋轉軸的狀態，由於畫面舍棄了其他細節，給觀眾留下了強烈的視覺印象。
新客觀主義的理論先驅是斯特蘭德，他對客觀主義的藝術特征作了如下規定:“新客觀主義是攝影的本質，也是攝影的產物和邊界。”他認為攝影“具有強烈的生活表現力，它需要觀察正確事物的眼睛。”
因此，它不是基於敷衍的過程和操作方法，而是必須使用純攝影。新客觀主義攝影的先驅是阿傑和史泰欽。實際創始人是上面提到的帕喬。
新客觀主義攝影師的成就在於促使人們研究和探索攝影本身的特點，並將攝影從審美虛幻世界拉回到現實生活中。然而，由於過分強調對細節材料表面結構的描寫，為後來的抽象攝影提供了萌芽的土壤。
1925年前後，由於大口徑小型照相機的出現，新客觀主義的表現領域有了新的發展，產生了許多肖像作品和反映社會生活和自然風光的作品。
新客觀主義的著名攝影師有桑德（1876-1964）、拉斯基（1871-1956）和黑格（1893-1955）。）、埃夫特（1874-1948）、韋斯頓·亞當斯（？-1902）等。
7.超現實主義攝影
超現實主義攝影是在達達主義衰落時期出現在攝影藝術領域的壹種流派，興起於20世紀30年代。
這個學校有嚴格的藝術綱領和理論。他們認為，用現實主義的創作方法表現現實世界是古典藝術家早已完成的任務，而現代藝術家的使命是探索人類新的、未被探索的“精神世界”。
因此，人類的潛意識活動、偶然靈感、精神變態和夢境都成為超現實主義攝影師刻意表現的對象。
攝影中的超現實主義與達達攝影師壹樣，以剪刀、漿糊和暗室技術為主要造型手段，在現實與幻想、具體與抽象之間創造壹個超現實的“藝術境界”。因此，效果是奇怪的，荒謬的和神秘的。
這壹流派的創始人是英國攝影師溫斯頓和美國人布魯蓋爾（1880-1945）。真正的終結者是英國舞臺攝影師馬可·賓（1905-？），在自己的創作中，他將“超現實主義”的虛擬現實與真實現實相結合，創造了壹種既虛幻又真實的境界。
例如，他創作於1946年的馬可·賓自畫像是壹幅典型的超現實主義作品，該作品通過四次曝光拍攝——壹次壹個正面、兩個側面和壹只眼睛。
這壹流派的著名攝影師包括從事超現實主義高光的畫家帕爾汗；畸形的人類攝影師布倫特；肖像和宣傳攝影師卡森、布盧門撒爾、洛林、哈爾斯曼、賴藝等。
8.抽象攝影
抽象攝影是第壹次世界大戰後出現的攝影藝術流派。
該派攝影師否認造型藝術以可觀察的藝術形象反映生活和表達藝術家的審美感受，並宣稱攝影應“從攝影中解放出來”。
在壹開始，通過無底放大法省略了“主體”的細節紋理和豐富色調，制作了壹幅只顯示其形狀的“光畫面”。
後來，它發展或使用光，或編輯高光，或在中間曝光，或在拍攝時振動相機以模糊底片中主體的圖像，或反復曝光以使其重影，直到改變畫面的表面結構，並改變主體的原始形狀和空間結構，試圖使用形式，色調（顏色）和材料的所謂“絕對抽象語言”。
將主體變成無法識別的線條、斑點和形狀的組合。
展現這個流派的藝術家們奉為圭臬的所謂人類最真實、最本質的潛意識世界。在作品中，被拍攝的對象只是藝術家借用的壹個音符，以產生壹種隨意表達其想象力和個性的“旋律”。
抽象攝影的鼻祖是塔爾博特（1800-1877）。壹開始，作品的畫面還保持著壹定的可識別性。
到1917年，攝影師經過培訓（1882-？）用木屑和透明玻璃碎片拍攝的《波爾多畫報》完全無法辨認。1922年，匈牙利抽象畫家莫霍林納基（1895-？）在曼瑞（1890-？）等人，並在理論上加以確立。
隨後，抽象畫家康定斯基和克勒引入顯微攝影和X射線攝影，極大地拓展了抽象攝影的表達範圍，豐富了攝影藝術的語言，建立了自己的藝術體系，風靡歐美。
除了文章中提到的那些人之外，還有這個學派的其他代表人物，如斯科特、芬寧格、安貞蘭、弗雷泰、溫克勒、格魯門博、夏德和布魯蓋爾。
9.可比攝影
侃派攝影是第壹次世界大戰後興起的壹個反對繪畫攝影的主要攝影流派。
該派攝影師主張尊重攝影的特點，強調真實和自然，主張拍攝時不操縱或幹擾主體，主張在自然狀態下把握主體的瞬時情態。
法國著名攝影師亨利·卡蒂埃·布列松說:“對我來說，攝影就是記錄壹個事件的意義以及能夠在瞬間準確表達它的精確組織形式。”因此，這壹流派的藝術特點是客觀、真實、自然、親切、隨意、不做作、生動、充滿生活氣息。
就他們的美學思想和創作傾向而言，“侃”派攝影師的處境更為復雜。雖然他們都主張表達人性，大多數人從事新聞攝影，但有些人是自然主義者，有些人是現實主義者。
催生這壹流派的作品是攝影師阿爾弗雷德·斯蒂格利茨於1893年拍攝的《紐約第五街的冬天》，它真正由德國攝影師埃利希·薩洛蒙博士完成。他在德國和法國總理舉行的壹次夜間會議結束時用小相機拍攝的《羅馬政治會議》，因其生動、真實、簡單和自然而成為該類型攝影史上的經典。
在攝影美學中，他們認為“壹張基於攝影基本特征的照片是畫家或蝕刻師無法模仿的。它有自己不可分割的自我，有自己特殊的表現力，甚至有其他媒體無法表現的特點”。
其次，對於客觀事物的表達，他們重視和強調原創性，認為:“（攝影師應該用）自己的眼睛去看世界，而不是通過別人的眼睛，而這是區分照片是平庸還是輝煌，有價值還是無價值的標準。”
這個流派的著名攝影師有美國的托馬斯·道·韋爾·馬沃伊；英國的賽力特莫代爾；法國的維克多·霍夫曼；還有路易斯·達爾·沃爾夫、彼得·斯塔克皮爾·布魯維奇等等。
10.“達達主義”攝影
達達主義是第壹次世界大戰期間出現在歐洲的壹種文學思潮。“達達”原本是法國兒童語言中“小馬”或“玩具馬”的不連貫詞匯。
達達主義藝術家在創作中否認理性和傳統文化，宣稱藝術與審美脫節，主張“拋棄繪畫和壹切審美要求”，崇尚虛無，這使他們的創作近乎戲謔，因此人們將這壹藝術流派稱為“達達主義”。
由於達達主義的攝影作品不符合人們普遍的審美趣味和要求，因此從1924開始，它們逐漸受到具有清晰完整的藝術豆腐和方案的超現實主義藝術流派的沖擊。然而，它的影響仍然可以在後來的現代主義攝影藝術中看到。
著名的達達主義攝影師包括菲利普·哈爾斯曼、摩根、拉斯洛·莫利納·馮靜恩和利斯特斯基。
11.主觀攝影
主觀攝影是第二次世界大戰後形成的攝影藝術流派，比抽象攝影更“抽象”，因此也被稱為“戰後派”。
它是存在主義哲學在攝影領域的反映。它的創始人是德國攝影師奧特·斯坦內。他認為，“攝影是壹個原本有能力發揮自身作用的廣闊領域，它還具有高度的主觀能動性。
但目前它已成為壹種機械現實主義。“於是他提出了“攝影藝術主觀化”的藝術主張“強烈主張攝影藝術的終極應該是提醒攝影者自己模糊的觀念，表達他們不可言說的內心狀態和潛意識活動。”主觀攝影是個性化和個性化的攝影。
這是這所學校的藝術節目。主觀攝影藝術家非常強調他們的創作個性，蔑視壹切現有的藝術規則和審美標準。這壹派的理論家公開表示:“主觀攝影不僅是壹種實驗性的圖像藝術，而且是壹種自由和不受限制的創作藝術”“我們可以隨意使用技術來創作照片。”
西方人體攝影的演變在世界藝術史上，希臘和歐洲的文藝復興時期有壹段人體藝術的輝煌時期。在經歷了最初令人震驚的再現客觀現實的藝術表達後，具有探索精神和創造力的攝影師開始在人體攝影領域取得突破。
1857年，後來在英國生活的瑞典攝影師拉達蘭拍攝了壹張人生兩條路的照片，被視為攝影史上的經典之作。這幅畫情節豐富，場景眾多，使用了大量的人類作品。主題是觀察善和懲罰惡，重點是白鬢老人。雙方的兩組人物體現了兩種不同的道德觀念、人生理想和人生過程。
然而，它也受到了少數人的攻擊，說它使用了這麽多裸體女性，其姿勢粗魯而淫穢，是壹個色情的東西。可見，古今中外，身體藝術無論其思想意義多麽積極或藝術處理多麽出彩，都會受到壹些人的批評和攻擊，這恐怕已成為壹種常規反應。
西方人體攝影的發展趨勢非常明顯。在發展常規的傳統人體攝影的同時，也流行表達強烈的主觀情感、現代攝影語言，創作各種流派和風格的作品，甚至導致畸形、切割、重組、神秘、荒誕和醜陋的意境。
例如，傑瑞·尤斯曼的標誌性人體攝影、羅傑·馬丁的休閑人體攝影、托德·沃克爾的原創巨幅人體攝影、羅伯特·亨尼斯·欽和啟德·蘇·奧克哈馬的切割和重組人體攝影、李··的荒誕人體攝影以及寧達和康羅多尼·米切爾的性感人體攝影。
百度百科:攝影